Month: mayo 2016

JEAN CLAUDE CUBINO (Mourenx. Francia)

JEAN CLAUDE CUBINO

1970 (Mourenx. Francia)

www.jeanclaude.es

 

         Jean -Claude nace en Mourenx (Francia) y se traslada de pequeño a España, cursa los estudios de Bellas Artes en Salamanca. En la actualidad vive entre Francia y España. Su discurso interior y creativo de su obra está muy marcada por sus vivencias, reflejando fielmente su forma de ser y sentir. Un artista humanista que siempre ha creído en el factor global comunicador de la cultura. A través del discurso artístico, el Sr. Claude busca estimular la creatividad de las personas y despertar su sensibilidad.  

 

Se implica en proyectos comprometidos con la cohesión social, la desigualdad y la injusticia, y colabora con instituciones que tratan a personas en riesgo de exclusión social. Jean Claude busca concienciar al espectador cambiando sus parámetros habituales para conseguir una respuesta emocional nueva y más creativa, para mirar más allá del conformismo o pereza.

 

Destacadas algunas exposiciones del artista en museos, centros de  arte  y  en galerías tanto de España como Francia, como en el Domus artium, MUSAC, Palacio de Justicia de Castellón en las Ferias de Art. (Santander), Explorafoto, etc.

 

Siempre me ha atraído el deseo de hacer arte comprometido, actual, un arte donde afloran ciertos problemas externos a nosotros, a los que somos sensibles, y de los que somos conscientes. Asumo desde hace tiempo compromisos sociales, colaboro con asociaciones en cuyo mensaje creo“.

 

 “Silence”  2015.

 

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Categoría: Performance con fotografías.

Fotografías y guion: Jean Claude

Edición del video: Quique Acosta

 

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HÉCTOR ESCUDERO (Barcelona. España)

HÉCTOR ESCUDERO MARTÍNEZ

1981 (Barcelona. España)

www.hachecreativa.com

 

 

        Hache Creativa es Héctor Escudero. Artista multidisciplinar que desde 2009 transforma residuos de la ciudad para crear piezas creativas como luminarias, accesorios o mobiliario sostenible descontextualizando la funcionalidad a objetos de uso cotidiano y materiales reciclados dotándoles de una nueva vida. Con sus obras quiere mostrar una nueva manera de recuperar esos materiales que están fuera del circuito de consumo para reactivarlos nuevamente en el mercado.

 

Desde su primera exposición en 2012 ha creado nuevas piezas con una nueva funcionalidad además de concienciar al espectador de la importancia de reutilizar materiales con y producir menos envases. Con sus diseños proporciona otra alternativa al consumidor ofreciéndole piezas creadas mediante el reciclaje colaborativo o simplemente con objetos abandonados. Tú tiras HACHE lo transforma!

 

Actualmente colabora con la “Comissió de Festes del carrer Mozart” de las populares “Festes de Gràcia de Barcelona” diseñando y realizando la decoración de la calle con materiales reciclados.

 

Pieza realizada con mangueras contraincendios. Sobre una estructura de una butaca reciclada se han trenzado dos mangueras, creando así la base y el respaldo donde poder sentarse y apoyarse.

 

 

 

      Butaca Mänguer.1     Butaca-Mänguer-gif    Butaca Mänguer.3          

         

       “Butaca Mänguer” 2015

        2 mangueras contra incendios.

 

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       “Escoba LAMP” 2013

        Fluorescente  y escoba exterior.

 

 

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FERNANDO AMPUDIA (León. España)

FERNANDO AMPUDIA 

1964 (León. España)

 

 

Cursa estudios en la Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos de León diplomándose en la especialidad de Grabado. Desarrolla su actividad en diversos campos como el diseño gráfico, la ilustración, la pintura o la música.

 

La pintura de Fernando Ampudia irrumpe en el panorama artístico local a mediados de los ochenta (1984) con una exposición colectiva realizada en la leonesa Sala Provincia. En aquella época marcada por el postminimalismo, el postmodernismo y otras posturas críticas, el carácter desnortado del arte de los ochenta permitía a los artistas crear por el mero placer de crear, sin fines estéticos comunes, sin tendencias, y donde se subrayaba el individualismo.

 

La elección de un soporte de madera industrial reciclado, refleja un mundo imaginativo más bien primitivo, quizás parcialmente inconsciente, apenas muestra una evolución a lo largo de los años, manteniendo en su obra más reciente una limitada clase de registro, repitiendo ciertos tipos de soluciones en sus imágenes con una obstinación casi monomaníaca.

 

Pero esta aparente simplicidad, esa ausencia de perspectiva con trazos esquemáticos y colores planos, alumbra otras complejidades psicológicas que afloran como un soplo humorístico, a menudo satírico y que evidencian con persistente intensidad la polarización vida-muerte como un requerimiento casi constante.

 

En general, sus obras están en guardia contra los intentos demasiado inmediatos de aproximación, esa distancia no es tanto una protección contra el entorno y el espectador, como contra algo desconocido y primordial justo debajo de esa capa de control intelectual. A veces no se sabe bien lo que es burla y lo que es glorificación. La ecuación nunca acaba siendo exacta, y la carga de los cuadros procede naturalmente, entre otros factores, de esa dualidad.

 

Exposiciones individuales y colectivas, entre otras:

 

Sala Provincia de León 1984; Casa de León en Madrid, 1988; “Encuentro de Jovenes Artistas” Junta de Castilla y León, Expresión Joven, 1992; Grabado Leonés Contemporáneo, 1995 “Jardín maniático” 2008; “Salón de rechazados” 2009; “Animales amaestrados” 2014.

 

Tengo para mí que el ingenio es el carril de aceleración de la inteligencia: a través de él, se incorpora a la realidad, a la verdad de la vida que no es grave ejercicio de la razón”, comenta el artista; más allá de sus valores plásticos, como afirma Joseph Joubert en Sobre arte y literatura, “una obra de arte no debe tener el aspecto de una realidad, sino de una idea”.

 

Un placer visual de armonía, conciencia y belleza.

 

 

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               “Secrets of maniacal garden”, 2008

               Acrílico sobre Pallet

 

 

                     Secretos-del-jardín-maniático2008(64-x-88cm-gif

                    “Working Class Hero”, 2014                                        

                    Nogalina sobre Palet                                                      

 

 

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PEDRO TRUJILLO (Tenerife. España)

PEDRO TRUJILLO ARROCHE

1978 (Tenerife. España)

https://es.linkedin.com/in/pedro-trujillo-arroche-57570463

 

 

            Pedro Trujillo  inicia sus estudios Bellas Artes en la Universidad de La Laguna (Tenerife) en 1995, para terminar en Granada, tras obtener la beca de ampliación de estudios artísticos del Cabildo Insular de Tenerife, con las especialidades de Pintura y Restauración Pictórica. Doctorado en “La Investigación en la creación artística: Teoría y Técnicas”. Entre 2004-07 obtiene la beca Aegón Inversión, para realizar el Curso de Postgrado “Figuración Contemporánea” en la Fundación de Arte y Autores Contemporáneos (Madrid). En 2009 se traslada a Irlanda, (Dublín) donde trabaja en View Gallery como asistente de dirección de arte y en el Departamento de Colección del Irish Museum of Modern Art en el Proyecto “What happens next is a secret”. En la actualidad vive y trabaja en Tenerife, desarrollando el proyecto “Meta-lenguaje” galardonado en diversas convocatorias: Fivars­­ Prix (París, 2010) Art Fair (Dublín, 2013) Proyectos Fundación Mapfre (Gran Canaria, 2014) y Biennal D’Art Contemporani (Tarragona, 2015).

 

“En  fechas de profundos cambios sociales y políticos, surgieron movimientos artísticos con una clara postura metalingüística, como el colectivo Art & Language, interesados en descubrir el proceso literario en torno al arte. Esta corriente imbuye artistas como Joseph Kosuth o Ian Wilson, y en el panorama nacional a Perejaume, en una búsqueda constante entre la creación literaria y las artes visuales. Después de la teoría de la literatura y del análisis musicológico, para que el metalenguaje llegase al resto de las artes plásticas habría que esperar a los años 80. En los primeros años del siglo XXI, se hace más fuerte y un buen ejemplo, hecho plástica en la obra de Pedro Trujillo Arroche…”. (Texto: David Marín López. Comisario del Proyecto Metalenguaje & Undergound. Fundación Mapfre. Las Palmas de Gran Canaria.)

 

– “Pinceles reciclados”. Una propuesta que pretende acercar al espectador la intimidad de la creación, a partir de los objetos propios del artista. Lo cotidiano se transforma en una metáfora sensorial. Durante siglos, la ofuscación y utopía de un artista ha sido expresar el mundo de las ideas, la expresión de su propio yo, y la ruptura con los cánones establecidos. El uso del pincel se ha convertido en un elemento satanizado por parte de la industria cultural, del art market y denostado incluso, por los propios creadores.

 

                                                                                                                                                                                                                                                                                                                     EsenciaGIF                

 

        Esencia de artista. 2014

        Bote Carolina Herrera, pincel y madera.

        28 x 21 x 26 cm

 

   

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       “Piraña”. 2015

       Tinta y acrílico sobre metacrilatol.
       20 x 18 cm  

 

 

 

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CRISTINA SOLER (Málaga. España)

CRISTINA SOLER HUMANES

1992 (Málaga. España)

 

www.facebook.com/CristinaSolerArt

www.instagram.com/cristina.soler

  

 

Cristina Soler utiliza la escul­tura como lenguaje, tanto el modelado como la talla. Sus trabajos hablan del paso del tiempo, la huella, la inestabili­dad, la cambiante identidad del ser y todo aquello que nos rodea. Su obra resalta factores lingüísticos, condiciones históricas y sociales, y la relación psicológica e íntima entre casa/sujeto. Realiza propuestas visuales y escritas que reflexionan sobre la memoria y la identidad, en sus múltiples aspectos.

 

Materiales desechables, técnica mixta y otros recursos disciplinarios, le sirven al artis­ta para construir situaciones y pro­blemas sociales, como la aceptación de ese continuo cambio y desgaste de todo lo que nos rodea, el error como acierto, la repetición y búsqueda de nuestro ­difuso yo.

 

Vivimos en una sociedad cuya forma de vida es el consumo innecesario, que compra y tira sin ningún tipo de escrúpulo. Por esto, hoy en día, es más necesaria que nunca esa unión entre Arte y Arquitectura, Arte y Ciencia, Arte y Medicina. Dice la artista.

 

HABÍTATE(2015)

 

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Ensamblaje de materiales desechables: Telas viejas, plástico, madera, disquetes, papeles reciclables, caja de madera, etc. (15’5 x 13’5 x 43 cm) Casas realizadas con basura que identifican a su creador cuentan su historia e invaden la tuya.

 

 

 

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LUCÍA MARCOS-SANCHEZ (Lima. Perú)

LUCÍA MARCOS-SANCHEZ MANRIQUE

1990 (Lima. Perú)

http://librosdetierra.tumblr.com/

 

 

Lucía Marcos, una joven y prometedora artista que estudió en la Facultad de Arte, en la Pontificia universidad católica del Perú (Pucp), Lima 2009-2015. Completa su formación en Diseño Web y Gráfica Digital en Toulouse Lautrec. Desde el 2011 participa en exposiciones colectivas en Galerías, Centros Culturales y de Arte de su país y recibe reconocimientos como, el Premio Adolfo Winternitz Facultad de Arte, Pucp 2012. Es Co- Fundadora del Colectivo Editorial Gráfico.

 

http://membranaediciones.tumblr.com www.facebook.com/membranaediciones

Exposición individual Centro Colich Jirón Colina 110, Barranco, Lima.

 

Desde siempre el ser humano ha buscado explicar el universo circundante deviniendo en nuevas realidades, visiones y construcciones del mundo a través de distintas perspectivas y medios. De este modo, mediante el dibujo y collage de imágenes y textos de viejos libros de geografía y enciclopedias, se crean páginas nuevas con la idea de resignificar el conocimiento y generar un vínculo a partir de los sentidos y la experiencia. Biogeografías, autobiográficas, que parten de la experiencia a través del viaje por la geografía y los libros buscan entonces reflexionar a través la compresión y consciencia.

 

Arte y conciencia medio ambiental de la mano.

 

Instalación: pieza realizada en papel hecho a mano, reciclado de diarios y revistas.

 

“Humano” Mapa teñido y cosido a mano (2016).

 

          El papel periódico es el archivo del hombre, contiene el día a día de las masas y es también el registro y desecho diario de la sociedad de consumo. Es presente y pasado y a modo de Atlas funciona como una herramienta de conocimiento inmediato del mundo. Cargado de signos e imágenes, los mapas constituyen una fuente importante de información sobre el territorio y las sociedades que lo habitan.

 

A través del reciclaje de papel periódico, se busca desdibujar el contenido y la función del diario, en un mapa ficticio que proponga por medio del lenguaje de la naturaleza y el significado etimológico de la palabra “humano”, Reflexiones sobre los modos de pensar, sentir y ocupar un territorio como sociedad y como seres humanos. Tejido que busca remitirnos a un mapa o territorio orgánico, a partir del cual generar una reflexión sobre el contraste entre el espacio urbano frente a las áreas verdes o espacio públicos en la ciudad. Cuestionando nuestra forma de habitar y relacionarnos con el territorio. “Cartografiaras de mapas que no existen “ haciendo referencia a este mundo imaginado del cual surgen mis proyectos.

 

La  pieza juega con las sensaciones de brotes de naturaleza sobre espacios fríos y cerrados. La versatilidad, arbitrariedad en las posibilidades de montaje,  hace replantearse el modo de presentación de la pieza para realzar y confrontar el lenguaje orgánico del papel con respecto a los espacios cerrados como las galerías, los museos y la propia ciudad.

 

 

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“LA FÁBRICA DE CINE” Laura Barrientos (Salamanca. España)

Laura Barrientos Turrión

1990 (Salamanca. España)

http://cargocollective.com/laurabatu

 

Las nuevas condiciones de globalización exigen reinventar la economía, reinventar la política
y también, reinventar la arquitectura. La erosión funcional de los edificios suele ser más
rápida que la física, por ello debemos darles una segunda oportunidad.

 

        Laura ha estado vinculada a la pintura y a la música desde muy pequeña. Estudió en la Escuela de Nobles y Bellas Artes de San Eloy, con la especialidad de Pintura. En 2015 se licencia por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Valladolid, inclinándose por la Arquitectura sostenible y ajustada económicamente, que aprovecha las cualidades intrínsecas del medio y de los materiales. Debemos utilizar la inteligencia para subsanar nuestros propios errores y poder seguir evolucionando. Investigando en la utilización de sistemas pasivos y activos como cualidades intrínsecas de las que se puede enriquecer la Arquitectura.

 

Complementa sus estudios con cursos como “La Biodiversidad como fuente de desarrollo” en la Universidad Nacional de Colombia. “Alojamiento para otros modos de Vida”. Seminario sobre “Arquitecturas inteligentes” ETSA Valladolid, entre otros. En 2007 fue Becada por Ruta Quetzal BBVA para la expedición “La huella de la Nao de la China en Méjico”. País de recepción: Méjico.

 

La Fábrica del Cine, Sede para la Seminci, es un proyecto de integración entre Arquitectura y Cine, con la intención de fomentar vínculos entre ambas disciplinas y crear una plataforma de exportación para el 7º Arte. Este nuevo programa cultural se sitúa en una parcela a orillas del ramal Esgueva, en Valladolid capital. La singularidad del enunciado se centra en una nave de sacos como preexistencia del s.XX., dentro del Campus Universitario Miguel Delibes. El proyecto nace a partir de la relación entre el pasado y el futuro, es decir, la nueva construcción emerge como una extensión de la antigua fábrica uniendo la ampliación del programa y adaptándose a sus condiciones originales.

 

Nave de Sacos vs Sede Seminci es otro formato de coexistencia que, a modo de combate dialéctico, ha permitido habitar más allá del concepto convencional de rehabilitación del espacio interior de los edificios. Se ha realizado una investigación en la utilización de Sistemas Pasivos y Activos como cualidades intrínsecas de las que se puede enriquecer la Arquitectura y convertirse en SOSTENIBLE.

 

Un muro energético de espesor sesenta centímetros y acabado tecnológico delimita un espacio que trabaja como colchón térmico capaz de proporcionar las condiciones climáticas, lumínicas y técnicas requeridas en cada estancia. Es decir, en invierno el espacio intersticial entre los dos cerramientos de policarbonato contendrá aire acumulado que servirá como interceptor térmico mientras que en verano se ventilará esa cavidad para no permitir la acumulación de calor al interior. De esta forma, el edificio inteligente se comportará de una forma u otra atendiendo a las necesidades.

 

La apropiación del edificio existente no sólo como narración histórica sino también como contenedor de energías latentes que se han incorporado al proyecto como material efectivo. Se han elegido sistemas de construcción ligeros y desmontables, así como materiales que por su durabilidad y por su capacidad de ser modificados no condicionen futuras transformaciones. Desechando materiales como el Hormigón y Acero, se apuesta por una estructura de Madera Laminada que contribuye a la sostenibilidad del edificio. Madera laminaday Policarbonato, ambos como materiales reciclables, sostenibles, económicos, versatilidad, renovables etc. una respuesta regenerativa en la situación social que estamos viviendo.

 

El trazado de la nueva arquitectura en convivencia con la antigua fábrica se realiza como un cosido entre ambas situaciones a través de la estructura y el cerramiento, una respuesta regenerativa que dialoga con la situación económico-social que estamos viviendo.

 

CENTRO DE DIFUSIÓN DE LA CULTURA CINEMATOGRÁFICA
Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Valladolid

 

El Proyecto completo aquí La Fábrica del cine

 

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“HUELLAS TRASHUMANTES” Arturo Suárez (Asturias. España)

ARTURO SUÁREZ ALONSO 

“HUELLAS TRASHUMANTES”

1984 (Asturias. España) 

 

 Arturo Suárez Alonso, nace en Oviedo y se traslada a Madrid para continuar su formación. En 2006 se gradúa como arquitecto técnico y en 2008 como ingeniero, pero continua con su formación hasta licenciarse como arquitecto a principios del 2013.

 

A lo largo de la carrera colabora con varios estudios importantes de arquitectura como AceboxAlonso y Martínez del Río arquitectos, así como con varios artistas nacionales e internacionales como Daniel Canogar o Arne Hendriks. También ha colaborado con la facultad de arquitectura de Madrid (ETSA) en la asistencia, preparación y conferencias sobre tratamiento e intervención urbanística en Parques Naturales, así como Infraestructuras verdes y papel en el territorio contemporáneo.

 

Arturo es un arquitecto ambicioso y con ganas de conocer mundo, ha trabajo en diferentes ciudades desde Asturias, su tierra natal, hasta Marbella, Madrid o Toronto, su residencia actual.

 

Muestra un fuerte interés por el arte, la arquitectura y el diseño, lo que le ha llevado a colaborar y a participar en numerosos concursos y proyectos de todo tipo de ámbitos y escalas, desde el diseño de mobiliario hasta el diseño de una terminal marítima. El estudio del contexto es fundamental en su modo de trabajar, convirtiendo los problemas en oportunidades de proyecto. Muchos de esos proyectos tienen una evocación artística, demostrando una sensibilidad innata, además de una fuerte carga conceptual en la que la idea, el germen o el origen del proyecto son fundamentales. Desde 2006 trabaja ligado a la  arquitecta y artista visual Suana Escudero.

 

Actualmente se dedica a la arquitectura paramétrica donde trabaja con geometrías complejas, así como a la fabricación digital (corte laser, impresión 3D y fresadoras numéricas) y a la arquitectura BIM. Ha realizado talleres de fabricación digital en Barcelona (Iaac) y en Toronto (Toronto Public Library)

 

Sus trabajos han sido premiados en diversos concursos internacionales y nacionales y recogidos en diferente publicaciones y medios especializados. Ha expuesto en el Ayuntamiento de Benidorm, en el Colegio de Arquitectos de Asturias (Sede Gijón) y en la sala Vinçon de Barcelona.

 

Hace más de 8000 años comenzó un largo viaje que hoy, aún no ha terminado….

 

HUELLAS TRASHUMANTES

 

        El proyecto es la reconstrucción de LA RED DE FIESTAS DE carácter RURAL, de la provincia de Navarra (España) para transformarla en una PLATAFORMA o INFRAESTRUCTURA TECNOLÓGICA, ENERGÉTICA y SOCIAL para la INNOVACIÓN.

 

Se propone una continuidad con el lugar, con su paisaje o incluso con su adaptabilidad, generando un dispositivo, artefacto, marco, soporte, capaz de crear múltiples espacios adaptables a las necesidades festivas de todas las fiestas de carácter rural que se dan lugar en la comunidad navarra, un total de 124 de 235 fiestas (52%), y por supuesto, también exportable a todo el territorio nacional.

 

Estamos en un momento de crisis económica, social, energética y política. Éste no es sólo un momento de incertidumbre; también es el momento de construir nuevas realidades y hacerlo de manera colectiva. La propuesta es un espacio para la innovación en los espacios públicos de forma colaborativa, es decir, la innovación social participa de la innovación tecnológica, la innovación económica de la innovación energética, y así se puede pensar en una red compleja de relaciones.  ¿Por qué no aprovechar estas redes?

 

El desafío de este proyecto es generar un prototipo de equipamiento apropiable y transformable por parte de las comunidades, logrando entrelazar la técnica con los conocimientos populares. A través de la participación social, la propuesta intenta ser una herramienta para articular dinámicas festivas ofreciendo instrumentos de apropiación del espacio.

 

Ya no se trata de plegar ni apilar, variar también es posible configurando distintos espacios con piezas idénticas. No sólo el usuario gana en usos; trabajar con los mismos elementos facilita el MONTAJE, TRANSPORTE, la posible SUSTITUCIÓN y por supuesto, la FABRICACIÓN.

 

Para el diseño del dispositivo se tienen en cuenta una serie de características propias de la arquitectura popular. Partiendo de un entorno rural se opta por la filosofía del ready-made, reutilizando maquinaria agrícola adaptándola y modificándola en función de las necesidades, enfatizando la importancia del reciclaje, el compromiso social y el respeto al medio ambiente.

 

Frente a la rigidez se propone una solución que se adapta a las necesidades de los usuarios con distintas configuraciones y tallas. Se plantea un prototipo de equipamiento evolutivo que tenga distintos grados de adaptabilidad y crecimiento, posibilitando que aumente su superficie y mejore sus estándares.

 

El prototipo a través de su estructura base permite la customización y tuneado. Entendiéndose como un elemento flexible, transformable, mejorable tanto interiormente como exteriormente y adaptable a los cambios en función de las necesidades e incorporando permanentemente al usuario en la definición del dispositivo. Se logra así una mayor identidad y apropiación de los usuarios. De condición efímera, se consigue una performance que cambia todo el tiempo y que reacciona a cada situación. El proyecto se concibe como una experiencia sensorial, “arquitectura, sonido, palabras, comida y bebida se conectan para formar una experiencia total, una escenografía por un día…”

 

El resultado es una arquitectura armoniosa, equilibrada, en la que los dispositivos sugieren continuamente una vocación efímera.

 

Las referencias conceptuales son los enfoques proyectivos de Le Corbusier, su concepción de un espacio que sea funcional y estético al mismo tiempo, siempre dentro de la lógica de la arquitectura “del silencio, que habla sin estridencias, sin grandes gestos (…) porque las cosas que perduran son las que cumplen su misión en la forma adecuada. De ahí la necesidad de no molestar, el placer de las formas silenciosas, su sencillo existir, hasta que se conviertan, así espero, en parte integrante de la esencia de un lugar”.

 

“Huellas Trashumantes” 2013

 

– Laminas del proyecto Huellas Trashumantes

Materiales: Papel fotográfico sobre soporte rígido pintado con acrílico.

Dimensiones variables

 

– Maqueta del Dispositivo 

Dimensiones variables

Materiales: Madera, bridas, jeringuillas, tubo de silicona, tuercas, anillas, barras metálicas, metacrilato, líquido, acuarelas, ruedas de tractor,…

 

– vídeos:

“Fiesta en El Paso”: (Bárdenas Reales). Duración: 2.1”4

“Huellas Trashumantes” despliegue del  dispositivo festivo. Duración 1.16”

 

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MAE ALANDES (Valencia. España)

MAE ALANDES 

1981 (Valencia. España)

www.maealandes.blogspot.com

http://pencilshavingsjewels.wix.com/pencilshavingsjewels

 

 

Mae Alendes es técnico superior  en  artes plásticas y diseño de joyería artística easd valencia (2007–2010). Beca Erasmus en “L’École Supérieur de Beaux Arts” especialidad diseño de producto, en Nancy, (Francia). Seleccionada en la Feria de Frankfurt, para TALENTS, 2015, la competición FORM en Frankfurt, 201. Melting Point (festival de Joyería Contemporánea) 2012 y 2014. 2º premio, concurso de joyería “PUNTO FINAL A LA VIOLENCIA DE GÉNERO” Plataforma nacional Tolerancia Cero, en 2009.

 

Mae concibe el arte como una herramienta transformadora, tanto del individuo como de la sociedad. A través de él expresa formas más o menos abstracta, lanza ideas y genera reflexiones.

 

Me gusta especialmente la Joyería Contemporánea, como soporte artístico porque permite a las obras salir de espacios cerrados y a su vez, mantener un contacto íntimo con su portador/a” comenta la artista.

 

En sus creaciones utiliza toda clase de materiales, con diferentes texturas, colores, incluso tacto u olor, para evocar, tanto sensaciones como recuerdos, fieles transmisores de conceptos. “La reutilización de materiales y el ready-made son un valor añadido no sólo para la obra, sino también para la sociedad y el medio ambiente, en un mundo saturado de objetos” comenta.

 

 

 

                            1San-Valentín-gif                            2Ecdisis-catarsis-gif

 

                          San Valentín. 2009.                                                      Ecdisis catarsis. 2010.

                  Plata, huevo de codorniz, pátina.                                   Cuero, madera y latón. 

 

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MORA EFRÓN (Argentina)

MORA EFRÓN 

1980 (Argentina)

www.moraefron.com

 

 

Graduada en la Escuela de la Joya con especialidad Joyería y Engaste de Buenos Aires. Título Técnico en Artesanías Aplicadas escuela “Fernando Fader” (1998). MBA Máster Consolidación de Empresas de Diseño. DIMAD Central de Diseño de Madrid 2012/ EOI Escuela de Organización industrial (400hs.)

 

Desde el 2009 › DICIEN, diseño y prototipos 3D.

Desde el 2008 › Mora Efron – Slow jewellery

 

Cursos: Rhinoceros. Profesor GONIBAR. CEARCAL Centro Regional de Artesanía de Castilla y León. joyería con resinas. Profesora Barbié, Stéphanie. CEARCAL. (40hs.) Master de Gestión y Creación de Empresa. EOI Escuela de Negocios (450hs.) Curso de modelado y fabricación de cera para escultores . Curso monográfico “Técnicas de diseño e ilustración de joyas”. Asociación Española de Diseñadores y Creativos de Joyería y Orfebrería “Joyas de Autor”.

 

Creación y gestión de la empresa: Diseño, asesoramiento técnico y producción de proyectos de joyería y piezas de pequeño formato para pequeñas y medianas empresa. Marcas como “VerdeAgua- Alhajas”, “Lucrecia – joyas historicistas”, Fundación Centro Nacional del vidrio, otros. www.dicien.com

 

Diseño y fabricación de colección propia. Joyería contemporánea y piezas de autor, comercializada en distintos puntos de España mediante ferias a nivel nacional e internacional. Inhorgenta, Munich (2014). Reconquistarte, Recoletos 2015. Valladolid, Navidad desde el 2009.

 

Último proyecto: Apertura de mercado en New York. Diseño y realización de obra para Grupo Barceló, “Premio Formentor de las letras”. 2010 Premio joven emprendedor por la Federación Empresarial Segoviana.

 

CAE es el simple movimiento de una pequeña gota de agua, producida por la ley de la gravedad. Ese instante mágico en el que la gota, transmuta su todo en uno. Sin dejar de contener el todo en ella misma. Como un nuevo nacimiento en cada gota que vemos caer. Colección de joyería- arte portable realizada en cera y luego fundida con la técnica ancestral de “Fundición a la cera perdida” (2014)10 x 50 x 1,5cm

 

Bronce reciclado en 70% bañado en oro piedra semipreciosa.

 

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